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CreArte Expo Latino Short Film Awards

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The CreArte Expo honors and celebrates the rich traditions of Latino culture and art. We honor the best short films from Latin American filmmakers.  We want to encourage, support and honor emerging Latino filmmakers and films that have Latino themes.

 

Films from the US, Canada and through Latin America were submitted to us.  We were blown away by the many great films that were submitted to us.  Films from all genres films entertained, inspired and moved us.  ​The judges faced the difficult task of selecting the winning films. 

 

Below are the 10 award winning films.

Adelaida – Tamara Luisa Hernandez

Bajudh – Carlos Matienzo Serment

Chupacabra – Frederick Luis Aldama

Echo of Her Voice – Rodrigo Guzmán Espíndola

Fear – Angel Ivan Gonzalez De La Macorra Perez

Final Day – Sofia Arbaiza Martinez

Lupe Q and the Galactic Corn Cake – Javier Badillo

Toxic Waste – Arian Sánchez

Useless – Freddy Merentes

Weasel – Hisham Iyad Hajir

Bajudh won the Jury Award

Fear won the Audience Award

Congratulations to all the filmmakers!

Adelaida – Tamara Luisa Hernandez

Based on a true story, a young Nicaraguan woman flees into the jungle, pursued by the ones who love her the most.

 

Director’s Statement

I was inspired to make Adelaida after I came to Nicaragua and was shown my father's land, which I have now inherited after his death. I was awestruck by the fantastic beauty of the jungle teaming with wild monkeys that I had never known about growing up estranged from my father due to my parent's divorce. I also went to the church my great-grandfather built on my family's farm and was told that was where my grandmother had gotten married to my grandfather. It was all so beautiful that I knew I would have to come back someday and make a movie there, but I didn't know what that movie would be. Then, two years later, in June 2024, I was told my favorite aunt was dying, and I needed to go back to see her before she passed away. As I hurriedly planned my trip to Nicaragua, the idea of Adelaida suddenly came to me. I remembered that I had interviewed my grandmother eighteen years earlier, when she was one hundred four years old. I did so, and she died a couple of months later. What had always struck me about my grandmother's interview was the first thing that came out of her mouth: "I didn’t get to marry the man I truly loved." Then she launched into a story of a man I had never heard of before, who she was still in love with, who wasn't my grandfather!  After remembering her last words, I saw my grandmother's fantasy of running away from her wedding, and into the jungle, I had inherited from my father, to marry the man she truly loved. And this is how I came up with the idea for Adelaida which we shot in August 2024. As a director, I really wanted to make a movie with almost no dialogue. To do so, we had to shoot very quickly because we needed much more coverage than I would have needed if I had dialogue. While shooting we were nervous about having our equipment confiscated by the government who doesn’t like people shooting films that could be at odds with the government’s portrayal of the country. During the shoot, we faced the relentless heat in the jungle and an unexpected rainstorm that forced us to abandon the area before we were trapped in mud during the crucial climax scene. This adversity pushed us to rethink the movie on the spot, but it turned out to be a blessing in disguise, enhancing the film's emotional narrative.  Working with a Nicaraguan cast and crew was both exciting and challenging. Only my lead actress, cinematographer, producer and myself live in Los Angeles. All the other actors and crew are my family members or people who live near our family’s farm. They were all very excited and helpful in making this film, and this movie wouldn't exist without their hard work and compassionate hearts. I will be forever grateful for their participation in making this movie dedicated to my grandmother Adelaida Hernandez.

Adelaida – Tamara Luisa Hernandez

Basada en una historia real, una joven nicaragüense huye a la selva, perseguida por aquellos que más la aman.

 

Declaración del director

Me inspiré para hacer Adelaida después de llegar a Nicaragua y que me mostraran la tierra de mi padre, que he heredado tras su fallecimiento. Me impresionó la fantástica belleza de la selva llena de monos salvajes, algo que nunca había conocido al crecer separada de mi padre debido al divorcio de mis padres. También visité la iglesia que construyó mi bisabuelo en la finca familiar y me dijeron que ahí fue donde mi abuela se casó con mi abuelo. Todo era tan hermoso que supe que algún día volvería para hacer una película ahí, pero en ese momento no sabía cuál sería esa película. Luego, dos años después, en junio de 2024, me informaron que mi tía favorita estaba muriendo y que debía volver a verla antes de que falleciera. Mientras apresuradamente planeaba mi viaje a Nicaragua, la idea de Adelaida surgió de repente. Recordé que había entrevistado a mi abuela dieciocho años antes, cuando tenía ciento cuatro años. Lo hice y ella falleció un par de meses después. Lo que siempre me impactó de la entrevista con mi abuela fue lo primero que salió de su boca: "No pude casarme con el hombre que realmente amaba". Luego comenzó a contarme la historia de un hombre del que nunca había oído hablar antes, alguien de quien todavía estaba enamorada, ¡y que no era mi abuelo! Después de recordar sus últimas palabras, imaginé la fantasía de mi abuela de huir de su boda y adentrarse en la selva que heredé de mi padre, para casarse con el hombre que realmente amaba. Así fue como surgió la idea de Adelaida, que filmamos en agosto de 2024. Como directora, realmente quería hacer una película casi sin ningún diálogo. Para lograrlo, tuvimos que filmar muy rápido porque necesitábamos cubrir más de lo que habría necesitado si tuviera diálogo. Mientras filmábamos, estábamos nerviosos por la posibilidad de que el gobierno confiscara nuestro equipo, ya que no les gusta que se filmen películas que puedan contradecir la imagen que quieren proyectar del país. Durante el rodaje, enfrentamos el calor implacable de la selva y una tormenta inesperada que nos obligó a abandonar el área antes de quedar atrapados en el barro durante la escena crucial del clímax. Esta adversidad nos obligó a replantear la película en el momento, pero resultó ser una bendición disfrazada, ya que enriqueció la narrativa emocional del filme. Trabajar con un elenco y equipo nicaragüense fue tanto emocionante como desafiante. Solo mi actriz principal, el director de fotografía, el productor y yo vivimos en Los Ángeles. Todos los demás actores y el equipo son miembros de mi familia o personas que viven cerca de la finca familiar. Todos estaban muy emocionados y fueron de gran ayuda para hacer esta película, y este filme no existiría sin su arduo trabajo y corazones compasivos. Siempre estaré agradecida por su participación en la realización de esta película, que está dedicada a mi abuela, Adelaida Hernández.

Bajudh – Carlos Matienzo Serment

The vision, the struggle and the resistance of a Tének girl to make her way to the privilege of being the first flying woman of the dance "Bixom T'iw or Dance of the Sparrowhawk" in a world where only men can fly.

 

Director’s Statement

Bajudh is a short film that was produced by the Huellas Verdes fund, which focuses on low carbon footprint film production. It was filmed in the indigenous region of Tamaletóm in the state of San Luis Potosí, Mexico, and no single-use plastic or power generators were used during the filming process.  The actors in the film are all Tének residents of the community, none of whom had previous acting experience. The Sparrowhawk Dance depicted in the film is a real traditional practice, and there were no stunts used in the film. Bajudh tells the story of transformation narrated by the indigenous inhabitants of Tamaletóm, who seek to change the destiny of future generations by preserving their language and traditions in the face of modernity. The film main themes are: social and climate change by introducing the care of the plant "Punchix witz" that houses the eggs of the monarch butterfly and is a crucial part of the Tének cosmology, ultimately arguing that the true change lies in the "Kaylem": the transformation of souls into butterflies. In Tamaletón and its Sparrowhawk Dance, the community connects with its spirituality and understands that at the end of one’s life, only the spirit will remain. As the director, I was simply a tool for the community to tell its own story, with real people who have worked to sustain their culture in a rapidly changing world. Bajudh tells the story of the first flying woman in Tének cosmology, but it is also the beginning of a new era for Tének women.

Bajudh – Carlos Matienzo Serment

La visión, la lucha y la resistencia de una niña Tének por abrirse paso hasta lograr el privilegio de ser la primera mujer voladora en la danza "Bixom T'iw" o "Danza del Gavilán," en un mundo donde solo los hombres pueden volar.

 

Declaración del director

Bajudh es un cortometraje producido con el apoyo del fondo Huellas Verdes, que se enfoca en la producción cinematográfica de bajo impacto de carbono. Fue filmado en la región indígena de Tamaletóm, en el estado de San Luis Potosí, México, y no se utilizó ningún plástico de un solo uso ni generadores eléctricos durante el proceso de filmación. Los actores en la película son todos residentes de la comunidad Tének, ninguno de los cuales tenía experiencia actoral previa. La Danza del Gavilán representada en la película es una práctica tradicional real, y no se usaron trucos en la filmación. Bajudh cuenta una historia de transformación narrada por los habitantes indígenas de Tamaletóm, quienes buscan cambiar el destino de las futuras generaciones preservando su idioma y tradiciones frente a la modernidad. Los temas principales de la película son el cambio social y climático, introduciendo el cuidado de la planta "Punchix witz," que alberga los huevos de la mariposa monarca y es una parte crucial de la cosmología Tének, argumentando en última instancia que el verdadero cambio radica en el "Kaylem": la transformación de las almas en mariposas. En Tamaletóm y su Danza del Gavilán, la comunidad se conecta con su espiritualidad y entiende que al final de los días solo el espíritu perdurará. Como director, fui simplemente una herramienta para que la comunidad contara su propia historia, con personas reales que han trabajado para mantener viva su cultura en un mundo que cambia rápidamente. Bajudh cuenta la historia de la primera mujer voladora en la cosmología Tének, pero también es el comienzo de una nueva era para las mujeres Tének.

Chupacabra – Frederick Luis Aldama

Chupacabra Charlie, a polite, handsome, and unusually tall ten-year-old chupacabra yearning for adventure beyond the edge of the United States. Little does Charlie know when he befriends a young human, Lupe, that together, with only some leftover bacon quesadillas and a few cans of Jumex juice, they might just encounter more adventure than they can handle. Along the way, they meet strange people and terrifying danger, and their bravery will be put to the test.

 

Director’s Statement

When I was a young boy growing up in the farmlands outside of Sacramento, California, whenever our chickens were attacked at night, my abuela would tell me it was the Chupacabra. While her stories scared me, they also intrigued me. That’s when I began creating my own fiction as a kid that followed Carlitos who would fly his Hickerbocker around the world, saving children from monstrous adults. Carlitos lay dormant for decades until I began hearing about Trump’s administration’s ICE cages and the violent separation of children from their guardians. In this short, animated film, Charlie and his best human friend, Lupe, set off on an epic adventure, culminating in the dynamic duo using a magical silver key to unlock the cages and rescue the kids.

Chupacabra – Frederick Luis Aldama

Chupacabra Charlie, un chupacabra educado, guapo y sorprendentemente alto para un niño de diez años, anhela una aventura más allá del borde de los Estados Unidos. Charlie no sabe que, al hacerse amigo de una joven humana, Lupe, ambos, con solo unas quesadillas de tocino sobrantes y algunas latas de Jumex, podrían encontrarse con más aventuras de las que pueden manejar. En el camino, conocerán a personas extrañas y enfrentarán peligros aterradores, poniendo a prueba su valentía.

 

Declaración del director

Cuando era un chavalito creciendo en las tierras de cultivo a las afueras de Sacramento, California, cada vez que nuestras gallinas eran atacadas por la noche, mi abuelita me decía que era el Chupacabra. Aunque sus historias me asustaban, también despertaban mi curiosidad. Fue entonces cuando comencé a crear mi propia ficción siendo niño, que seguía a Carlitos, quien volaba su Hickerbocker por el mundo, salvando a los niños de los adultos monstruosos. Carlitos quedó en reposo durante décadas hasta que empecé a escuchar sobre las jaulas del ICE bajo la administración de Trump y la violenta separación de los niños de sus guardianes. En este corto animado, Charlie y su mejor amiga humana, Lupe, se embarcan en una épica aventura, que culmina con el dúo dinámico utilizando una llave de plata mágica para abrir las jaulas y rescatar a los niños.

Echo of Her Voice – Rodrigo Guzmán Espíndola

Through photographs, dreams and unanswered questions, Paulina's presence lives on in the daily life of Margarita, her mother. In an immeasurable search for justice for her daughter's death, Margarita discovers that her voice can be a part of a larger struggle that has emerged in the face of the current wave of femicides in Mexico. 'The Echo of Her Voice’ shows us the strength of mother-daughter relationships that know no bounds.

 

Director’s Statement

The Echo of Her Voice tells us how Margarita copes with her grief after the femicide of her daughter Paulina by transforming her absence into that which fuels her pursuit of justice, for her daughter and all women in the same situation. But it’s not only a film about femicide. It doesn’t resort to sensationalism or revictimization. Instead, it shows Margarita’s empowering capacity to cope and get support from people who, despite not being her family, reach out to her. It’s a story about hope, about seeking change. The short film has been well received by audiences, since we deal with social issues in a different way, leaving sensationalism aside and proposing new narratives that connect with the audience from a position of empathy, respect and sensibility.  I’ve been trying to make use of screening sessions to provide the audience with food for thought. At the end of the screenings I attended, my proposed dynamic was to invite the audience to support, in any way possible, demonstrations calling for justice for the direct and indirect victims of femicide. Conversely, I have invited other men to question and reject our male privilege, as well as acknowledge and work on our own violent behaviors, since more than 90% of femicides are committed by us men.

El Eco de Su Voz – Rodrigo Guzmán Espíndola

A través de fotografías, sueños y preguntas sin respuesta, la presencia de Paulina vive en la vida diaria de Margarita, su madre. En una búsqueda inmensurable de justicia por la muerte de su hija, Margarita descubre que su voz puede formar parte de una lucha mayor que ha surgido frente a la ola actual de feminicidios en México. El Eco de su Voz nos muestra la fuerza de la relación madre-hija que no conoce límites.

 

Declaración del director

El Eco de su Voz nos cuenta cómo Margarita lidia con su dolor tras el feminicidio de su hija Paulina, transformando su ausencia en el motor que impulsa su búsqueda de justicia, tanto por su hija como por todas las mujeres en la misma situación. Pero no es solo una película sobre el feminicidio; no recurre al sensacionalismo ni a la revictimización. En su lugar, muestra la capacidad empoderadora de Margarita para sobrellevar su dolor y recibir apoyo de personas que, aunque no son familia, se acercan a ella. Es una historia de esperanza, de buscar un cambio. El cortometraje ha sido bien recibido por el público, ya que abordamos temas sociales de una manera diferente, dejando el sensacionalismo de lado y proponiendo nuevas narrativas que conectan con la audiencia desde una posición de empatía, respeto y sensibilidad. He tratado de usar las proyecciones para ofrecer al público un espacio de reflexión. Al final de las proyecciones a las que asistí, mi dinámica propuesta fue invitar al público a apoyar, de cualquier manera posible, las manifestaciones que exigen justicia para las víctimas directas e indirectas del feminicidio. Por otro lado, he invitado a otros hombres a cuestionar y rechazar nuestro privilegio masculino, así como a reconocer y trabajar en nuestros propios comportamientos violentos, ya que más de 90% de los feminicidios son cometidos por hombres.

Fear – Angel Ivan Gonzalez De La Macorra Perez

A little bunny goes out browsing at night, without knowing that he will have a panic attack caused by the sound of the wind. His fear comes to life through his shadow unfolded into monstrous creatures that are the reflection of his instinct.

 

Director’s Statement

Since I was a kid, I always felt passion for horror and action. Especially for the mythic narrative behind both genders and its emotional root. For me Fear is the exploration of both in one: the natural explanation of how they blend in our instinct.

Miedo – Angel Ivan Gonzalez De La Macorra Perez

Un pequeño conejo sale a buscar comida por la noche, sin saber que sufrirá un ataque de pánico provocado por el sonido del viento. Su miedo cobra vida a través de su sombra, que se despliega en criaturas monstruosas, reflejo de su instinto.

 

Declaración del director

Desde que era niño siempre sentí pasión por el horror y la acción, especialmente por la narrativa mítica detrás de ambos géneros y su raíz emocional. Para mí, Miedo es la exploración de ambos en uno: la explicación natural de cómo se mezclan en nuestro instinto.

Final Day – Sofia Arbaiza Martinez

Yadira, a creative young Cuban girl, struggles packing on her final day home. Embarking on an immigration journey alone, her suitcase feels too small to carry everything her heart holds.

 

Director’s Statement

Final Day is the imminent culmination of her development as an artist, creating a film that directly explores the backbone to most of her work was the natural next step in her journey as a filmmaker. The story of these characters serves as an ode to the people that got her to this point of her career. Every asset and character created for this project represents not only a small part of her identity and family history but is a result of an extensive exploration of the realities of Cuban life. This film marks the beginning of her career as a filmmaker, and it reflects the types of stories she wants to tell moving forward in her animation career.

Último Día – Sofia Arbaiza Martinez

Yadira, una joven cubana creativa, lucha con el hecho de empacar sus pertenencias en su último día en casa. Embarcándose sola en un viaje migratorio, su maleta se siente demasiado pequeña para llevar todo lo que su corazón guarda.

 

Declaración del director

Último Día es la culminación inminente de su desarrollo como artista, creando una película que explora directamente el pilar central de la mayoría de su obra, lo cual fue el paso natural en su trayectoria como cineasta. La historia de estos personajes sirve como un homenaje a las personas que la llevaron a este punto de su carrera. Cada elemento y personaje creado para este proyecto representa no solo una pequeña parte de su identidad e historia familiar, sino que es el resultado de una extensa exploración de las realidades de la vida cubana. Esta película marca el inicio de su carrera como cineasta y refleja el tipo de historias que quiere contar en su futura carrera en la animación.

Lupe Q and the Galactic Corn Cake – Javier Badillo

Lupe doesn’t care about her abuela’s cooking lessons, she just wants to rock with her badass punk band. But when Lupe finds herself battling an alien monster with her band, her abuela's lessons will remind her that punk rock is more than just loud music and connecting with her Latin roots may just save their lives.

 

Director’s Statement

Punk rock. Disenfranchised BIPOC teens. Creepy space aliens. Queer young romance. It’s the underdog-buddy-comedy-space opera I’ve been waiting to tell ever since I was an angsty Latin American kid shrieking into a mic and cranking my guitar amp to 11. In the late nineties, as a Venezuelan teen coming of age in Southeast Asia, I had already grown up on four continents, uprooted into a cornucopia of places and cultures. I developed an abiding fascination with faraway worlds--and an intimate knowledge of the power of DIY punk culture to build bridges across language and cultures. When I fell in love with filmmaking it was just a matter of time before I mixed punk rock into my own films. One last thing. To me, characters make the movie. And I’ve always loved movies where the characters are thrown into unbelievable adventures. The one thing that was missing in those amazing stories I watched growing up: diversity of representation, including my own Latin identity. Now that I create the characters that populate my films, it’s where my work begins.

Lupe Q and the Galactic Corn Cake – Javier Badillo

A Lupe no le importan las lecciones de cocina de su abuela, solo quiere tocar con su increíble banda de punk. Pero cuando Lupe se encuentra luchando contra un monstruo alienígena junto a su banda, las lecciones de su abuela le recordarán que el punk rock es más que solo música fuerte, y que conectar con sus raíces latinas podría salvarles la vida.

 

Declaración del director

Punk rock. Jóvenes multi étnicos marginados. Alienígenas espeluznantes. Un romance joven y queer. Es la comedia-espacial-de-compañeros-subestimada que he estado esperando contar desde que era un adolescente latinoamericano desahogando mi furia en un micrófono y subiendo mi amplificador de guitarra al máximo. A finales de los años noventa, siendo un adolescente venezolano que se hacía mayor en el sudeste asiático, ya había crecido en cuatro continentes, habiendo sido arrancado de raíz en una cornucopia de lugares y culturas. Desarrollé una fascinación permanente por mundos lejanos, y un conocimiento íntimo del poder de la cultura punk de modificaciones artesanales para construir puentes entre idiomas y culturas. Cuando me enamoré del cine, era solo cuestión de tiempo antes de que mezclara el punk rock en mis propias películas. Un último detalle: para mí, los personajes hacen la película. Y siempre he amado las películas donde los personajes se ven inmersos en aventuras increíbles. Lo único que faltaba en esas asombrosas historias que veía cuando era niño: la diversidad de representación, incluida mi propia identidad latina. Ahora que soy yo quien crea los personajes que pueblan mis películas, ahí es donde empieza mi trabajo.

Toxic Waste – Arian Sánchez

An act of filmic resistance, the result of ten years of finding and discarding material. As capital ravages the means of production and dissemination, what is the relevance of such material? This is a story that combats the toxic images that abound on the world's screens. Why make a science fiction story in which the matter and the materiality of the spectacle are contaminated?

 

Director’s Statement

This short film is an example of how the act of creating in cinema sprouts from the memories of other past films. Toxic Waste is structured using outtakes from my own archive and films, juxtaposed with handcrafted intervention of other archives, following the idea of recycling images to avoid further contamination. All these images are intertwined with the use of a voice over that tells us a story of resistance against the contaminated images of the film industry.

Toxic Waste – Arian Sánchez

Un acto de resistencia fílmica, el resultado de diez años encontrando y descartando material. Mientras el capital devasta los medios de producción y difusión, ¿cuál es la relevancia de dicho material? Esta es una historia que combate las imágenes tóxicas que abundan en las pantallas del mundo. ¿Por qué hacer una historia de ciencia ficción en la que la materia y la materialidad del espectáculo están contaminadas?

 

Declaración del director

Este cortometraje es un ejemplo de cómo el acto de crear cine brota de los recuerdos de otras películas pasadas. Desechos tóxicos está estructurado utilizando tomas descartadas de mi propio archivo y películas, yuxtapuestas con intervenciones manuales de otros archivos, siguiendo la idea de reciclar imágenes para evitar una mayor contaminación. Todas estas imágenes están entrelazadas con el uso de una voz en off que nos cuenta una historia de resistencia contra las imágenes contaminadas de la industria cinematográfica.

Useless – Freddy Merentes

Touchy and Sanyo are discarded electronic devices that are forced to be roommates, and both must come to terms with their mortality.

 

Director’s Statement

Overconsumption isn’t just a problem of this generation. It’s been a poisonous seed slowly rotting our environment for decades. Recent generations have achieved the most comfortable lived experience at the cost of species extinction and industrial pollution. I know it’s basically a failed mission. I’m a person who believes that this circle of capitalistic consumption will be the end of us. What can save us? Art - and action. I write stories that critique the ways of the world today, and that inspire change.

Useless – Freddy Merentes

Touchy y Sanyo son dispositivos electrónicos desechados que se ven obligados a ser compañeros de habitación, y ambos deben aceptar su mortalidad.

 

Declaración del director

El sobreconsumo no es solo un problema de esta generación. Ha sido una semilla venenosa que ha estado pudriendo nuestro medio ambiente durante décadas. Las generaciones recientes han alcanzado la experiencia de vida más cómoda a costa de la extinción de especies y la contaminación industrial. Sé que es básicamente una misión fallida. Soy una persona que cree que este círculo de consumo capitalista será nuestro fin. ¿Qué puede salvarnos? El arte y la acción. Escribo historias que critican las formas en que funciona el mundo hoy en día y que inspiran al cambio.

Weasel – Hisham Iyad Hajir

An inattentive mother is captivated by her new Weasel—a weasel-shaped high-tech scanner that instantaneously sells anything it scans. But when a mishap involving her playful children turns the device from a helpful tool into a dangerous threat, she realizes this new technology is far beyond her understanding.

 

Director’s Statement

When I set out to create Weasel, my primary goal was to challenge the narrative framework that dominates much of Mexican cinema. Culturally, our films tend to focus on a limited set of socially important topics—drugs, immigration, violence, poverty—portrayed in a gritty, hyper-realistic manner. While these issues are undeniably significant, I believe that Mexico, as a country and as a people, has much more to say. Weasel was born out of a desire to expand the scope of our cinematic storytelling and to explore themes that reflect our growing engagement with global technological advancements. As someone raised near the border between two countries, I’ve always understood the importance of global communication. Living in this space, you become aware of the invisible lines that divide us, but also of the bridges that connect us through shared experiences and technology. With Weasel, I wanted to create a film that transcends those borders. That’s why the story is told without dialogue or language, relying entirely on visuals and sound. This approach ensures the film is accessible to everyone, regardless of whether they speak English, Spanish, or any other language. The universality of the narrative is at the core of what I want to communicate: that technology and the issues surrounding it are something that affects us all, no matter where we come from. Thematically, Weasel serves as a kind of wish fulfillment for me. The product depicted in the film is something I wish existed to solve a real-life issue that exists in my household. I believe that technology holds the key to addressing many of the challenges we encounter daily, but it’s equally important to consider the potential consequences of its misuse. Whether we are developers or consumers, we need to engage thoughtfully with these tools and ensure we’re using them responsibly. At its heart, Weasel is about pushing the boundaries of Mexican cinema. Our country is more than the narrow range of topics often depicted on screen, and we have voices that extend beyond traditional narratives. By blending themes of technology with a distinct visual style, I hope this film can spark conversation about our future and the critical role of technological literacy as advancements rapidly approach our borders.

Weasel – Hisham Iyad Hajir

Una madre distraída se siente cautivada por su nuevo Weasel (comadreja), un escáner de alta tecnología con forma de comadreja que vende instantáneamente cualquier cosa que escanea. Pero cuando un accidente que involucra a sus hijos juguetones convierte el dispositivo de una herramienta útil en una amenaza peligrosa, ella se da cuenta de que esta nueva tecnología está mucho más allá de su comprensión.

 

Declaración del director

Cuando me propuse crear Weasel, mi principal objetivo era desafiar el marco narrativo que domina gran parte del cine mexicano. Culturalmente, nuestras películas tienden a enfocarse en un conjunto limitado de temas socialmente importantes—drogas, inmigración, violencia, pobreza—representados de una manera cruda e hiperrealista. Aunque estos temas son innegablemente significativos, creo que México, como país y como pueblo, tiene mucho más que decir. Weasel nació del deseo de ampliar el alcance de nuestra narrativa cinematográfica y explorar temas que reflejan nuestro creciente compromiso con los avances tecnológicos globales. Como alguien que creció cerca de la frontera entre dos países, siempre he entendido la importancia de la comunicación global. Al vivir en este espacio, te das cuenta de las líneas invisibles que nos dividen, pero también de los puentes que nos conectan a través de experiencias compartidas y la tecnología. Con Weasel, quería crear una película que trascendiera esas fronteras. Por eso la historia se cuenta sin diálogo ni lenguaje, confiando enteramente en las imágenes y el sonido. Este enfoque garantiza que la película sea accesible para todos, independientemente de si hablan inglés, español u otro idioma. La universalidad de la narrativa está en el corazón de lo que quiero comunicar: que la tecnología y los problemas que la rodean nos afectan a todos, sin importar de dónde venimos. Temáticamente, Weasel es una especie de realización de deseos para mí. El producto representado en la película es algo que desearía que existiera para resolver un problema de la vida real que existe en mi hogar. Creo que la tecnología tiene la clave para abordar muchos de los desafíos que enfrentamos a diario, pero también es igualmente importante considerar las posibles consecuencias de su mal uso. Ya sea como desarrolladores o como consumidores, debemos comprometernos de manera reflexiva con estas herramientas y asegurarnos de que las estamos utilizando de manera responsable. En su esencia, Weasel trata de ampliar los límites del cine mexicano. Nuestro país es más que la gama limitada de temas que se suelen representar en la pantalla, y tenemos voces que trascienden las narrativas tradicionales. Al combinar temas de tecnología con un estilo visual distinto, espero que esta película pueda generar una conversación sobre nuestro futuro y el papel crucial de la alfabetización tecnológica a medida que los avances se acercan rápidamente a nuestras fronteras.

CreArte Expo Latino Short Film Awards is curated by:

 

Independent cultural producer and advisor, Claudia Benítez, is passionate about bringing creative visions to life and projects that amplify culturally diverse perspectives and narratives. Until 2020, she ran for 6 years the first Cultural Affairs department at the Consulate of Mexico in Salt Lake City, where she designed dozens of successful programs and events in support of the Mexican community, arts and culture, several of which are carried on to date. Besides her work projects, Claudia loves hiking daily with her two rescued dogs, cooking naturally vegan dishes for family and friends, all things music and dancing salsa.

 

And presented by:

EPF Media, a distributor and producer of innovative documentaries from around the world that educate and raise awareness of social issues, cultures and the arts.  EPF Media is committed to releasing films that inspire people and bring positive change to our communities. Visit us at EPF Media

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